澄氏はかつて、美術書なども扱うインテリアショップ「push me pull you/プッシュ・ミー・プル・ユー」という店を構えていたというが、今は店を閉め、東京の一隅に構えた工房で制作に励んでいるため、その仕事を目にすることはなかなかできないという。その仕事に触れることのできる希少な機会が、クラスカでの展示である。

たとえば、文字盤のない鳩時計。毎時、0分と30分になると鳩が出て来て時を告げる。規則正しく鳩が出てくる仕掛けだけがひっそりと機能し続けている木の箱が、殺伐とした都会の時間の流れを変える装置に思えてくる。

ネオン管と電線をつないで作った、正十二面体の「電気花」。
自転車のサドルにベッド用のスプリングとキャスターを付けて作った「枕」。
壊れたイーゼルの部品を組んで作った小さな裁縫箱。
戦時中に使われていたコートから作ったエプロン。
縫代が見えないように丁寧に重ねて縫われたガーゼの手ぬぐい。

すべてのものには寿命がある。使えなくなったものを捨てて新しいものと替えるのではなく、まだ生きている一つ一つの機能を取り出し、最大限に活かすための工夫。一つ一つの仕事が丁寧で端正で、その中から再生されたものたちは、静かに心に訴えてくる。暮らしの中の必要性から人の手がものを生み出すという、プリミティブな行為の中に、洗練された創作のかたちをみる。


偶然にもクラスかでの展示を見た翌日、英国でもう25年も古い家財道具に命を吹き込む造形を続けて来たBailey夫妻の仕事を目にして、すぐに二人の仕事を連想した。澄氏と松澤氏の仕事には、その丁寧な行為の中に、日本人的な現代のミニマリズムを感じる。削ぎ落としてシンプルさを追求するミニマリズムではなく、ものに真摯に向き合い、丁寧に作り込んでいく和製のミニマリズム。

澄氏がかつて営んでいた店の名前である「push me pull you/プッシュ・ミー・プル・ユー」とは、澄氏が影響を受けたというウィリアム・ギブスンの小説に登場する双頭のトカゲロボットの名前から来ているようだ。二人の仕事を知った今、「push me pull you/プッシュ・ミー・プル・ユー」とは、このトカゲのように異なる要素を持った二つのものが一つの個体の中に共存し、互いに補完し合っている現在の二人の仕事の象徴のようにも思える。

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ビデオ取材をもとにアートスペースの魅力をお伝えする新シリーズ第4弾！
TOKYO ART SPACE SERIES vol.4：CLASKA /馬場 晋一
http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/2008/08/artspase04.html

さまざまなこころみを世界に向けて発信するための自由な舞台としてのギャラリーと、CLASKA（クラスカ）が見立てたセレクトとオリジナルを集めたショップ。日本のプロダクトだけを扱うお店です。定期的に、CLASKAが主催する展示会を行っていきます。CLASKAの“いま”がここにあります。

[開館時間] 11:00から19:00まで

[住所] 東京都目黒区中央町1-3-18 ホテルクラスカ 2F Gallery & Shop DO

[電話] 03-3719-8124

[アクセス] 東急東横線学芸大学駅より徒歩１０分、JR山手線目黒駅より車で５分、目黒駅西口よりバスで清水下車徒歩１分（大岡山小学校行き）

1998年にオープン。以来、単なるモノにとどまらない、体験としてのコンテンポラリーアートの魅力を提案し続けている。2006年には大阪市中央区にTARO NASU OSAKAを開廊、2008年6月末に六本木から小伝馬町にTARO NASUを移転。新しい東京のスペースは大阪と同様に建築家、青木淳が内装を手がけた 。

[主な取り扱いアーティスト]
秋吉風人、厚地朋子、ライアン・ガンダー、春木麻衣子、長谷川純、アントン・ヘニング 、泉孝昭、片山博文、松江泰治、宮本隆司、小粥丈晴、雄川愛、大竹竜太、ジョージェ・ オズボルト、ピーター・ポマー、アレッサンドロ・ラホ、パメラ・ローゼンクランツ、佐々木憲介、佐藤勲、高木こずえ、多和田有希、薄久保香、渡辺聡、安田千絵 etc.

[開廊時間]
11:00 〜 19:00

[閉廊日] 日、月、祝祭日

[アクセス] JR横須賀線・総武線快速 馬喰町駅、都営新宿線 馬喰横山駅より徒歩圏

[住所] 東京都千代田区東神田 1-2-11

[電話] 03-5856-5713

流れの文様を描く白砂の上に3つのオブジェを設えた部分は、日本の寺社仏閣の枯山水の庭を連想させる趣である。暗がりに浮かぶその作品を前にすると、過去に旅をして見て歩いた日本の庭園の数々が思い出されるようであった。そこはギャラリーの中という閉ざされた空間かもしれないが、“擬似的な”日本庭園というもの越え、それと対峙することによって自分と自然環境に繋がりに思いを馳せることができるきっかけとなる、我々に馴染み深い日本庭園・枯山水そのものとして存在しているのだ。実際の枯山水の庭園を訪れた経験のある鑑賞者はもちろんのこと、そういった体験のない鑑賞者であっても、彼女のこの作品を前にすると、内発的でリラックスした呼吸が促され、自分の周りをめぐっている大きな存在に対して感覚がそっと開かれるのを感じることができるだろう。

篠崎氏は京都・東寺の庭のライティングを手がけたことがあり、それを縁として東寺の僧侶らと親交を深めてきたと語ってくれた。また同じ部屋の中には宮本武蔵のストーリーにインスパイアされた刀をかたどったオブジェや、床の間に飾られている思い入れのある物品といったものをイメージさせるオブジェなどもある。和モダンなどという軽妙な流行りの言葉を使うのは少し面映いが、そこに確かにあるのは背すじがすっと伸びるようでありながら肩に力が入っておらず、自分に対して真摯であり、そして自分を取り巻く自分以外の存在・他者を愛しむことを知る、今に生きる「和の心」なのであろう。

訪問した当日はトークイベントが行われており、篠崎氏とライティングプロデューサーの安部昌臣氏のお話を聞く機会にも恵まれた。そこで語られていた、日本の蛍の光はフェードイン・フェードアウト、つまり、オン・オフではなく、そっと光り、そっと消える、というエピソードが印象的であった。トークの中でも紹介されたトピックだが、「1/f（エフぶんのいち）ゆらぎ」という考え方がある。人間の心拍、ろうそくのゆらめき、木漏れ日などの中に見られるゆらぎで、生体に心地よさなどの感覚をもたらすとされる。ギャラリーの庭に飾られていた照明はこの1/fゆらぎを利用しているとのことで、静かに穏やかにその色合いを変えていく。そのゆらぐ庭の照明だけではなく、一定の光をみせるオブジェもまた懐かしく温かい親密な感情を湛えていて心地よい。彼女の作品は「日本の蛍」なのだと感じた。

イベントではギャラリーになじみの深いミュージシャンの歌と演奏や手作り料理を楽しめるなどの、人の中にいるぬくもりを感じさせる企画が用意されており、楽しい夜を過ごすことができた。作品とギャラリー、そしてあかりと家の出会いという一期一会、アットホームなギャラリーに集う人々の一期一会という温かさと互いに支えあっての《光のプレリュード》の温かさであった。

会場2階には全身野菜でできた人形《エム・アイ・ティ・マン》（2008年）が展示されている。頭はカリフラワー、目鼻はパプリカ、腰にはバナナを下げ、足は少しくたびれたセロリでできている。鼻をかすめる八百屋のにおいのもとはおそらくこの作品だろう。この作品はイベールがマサチューセッツ工科大学（MIT）のバイオテクノロジー研究者と共同で実施した研究成果の1つで、体各部に必要な栄養素を持つ野菜をその部位につけて作り上げたものだ。例えば頭部につけられているカリフラワーは髪の毛を豊かにするのに効果的とのこと。この展示ではこのように植物・食べ物・生態系といった存在と人間の関わりをテーマにした作品群が展開されている。

本物の野菜を使ったこの作品に近寄ると、野菜の色がとても美しいことに気づかされる。新鮮な輝きを放つものもあれば、熟したり少し傷んだりしてくすんだ迫力のある色を見せるものもある。会場にかすかに広がる古びた野菜のにおいを吸い込みながら感じるのは、この美しい野菜たちの細胞のひとつひとつをいただくことで私たちの体が成り立っているのだという、植物と自分の身体をいとおしむ気持ちだ。

3階に上がるとそこは一面の草原になっている。作品名は《そよ風》（2008年）。展示スペースいっぱいに生い茂った草の中に1本の小道が作られており、鑑賞者はそこを行き来することができる。そうして部屋いっぱいの草いきれと、生暖かく怠惰でほんのりと郷愁を誘うようなそよ風を感じられる作りとなっている。鼻で、肌で、五感を広げて、イベールの言う「ちょっとエロティックな風」を味わうことができた。

4階には《飼育（ミツバチ／ミミズ／ハエ）》（2008年）の展示スペースだ。ミツバチは女王蜂のもと巣を形成しており、巣箱と壁の穴をつなげたパイプの中を行き来して会場の外へと自由に出られるようになっている。

忙しそうに飛び回っているミツバチがいれば、巣の下のほうで息絶えているミツバチもいた。今生きている（もしくは死んでいる）昆虫の生態そのものを作品として提示することはグロテスクさを併せ持ってはいるが、この作品は普段コンクリートに囲まれた環境で生活していると意識に入ってこないような小さな存在が組み合わさって大きな生態系というシステムを作ってくれているのだということを確かにはっきりと意識させてくれる。ミツバチが飛び出て行く壁の穴はミツバチの出入り口だけではない、鑑賞者の意識が展示スペース外の世界に広がる自然へと向かっていく出口なのだ。

この作品だけがそうなのではない、今回の展示作品の多くのものが動植物や土壌そのものを持ってきて見せるという、ある種の「荒業」で作られている。美術館という白い箱の中に再構成されたその生態系は一介の美術作品なのであって、生態系と呼ぶにはあまりに貧弱かもしれない。だがそれらは五感にビビッドに迫り、テレビや書籍などから体系だったわかりやすい知識をインプットすることとはまた違った印象を鑑賞者の心の中に残すことだろう。それが美術という行為の可能性の広がりであり、何より見る者の心に「たねを育てる」ということだったのだろう。

ちなみに会場に入ったところで出迎えてくれる作品が《テディ・ベアー》（2008年）なのだが、これは原題は”Ted Hyber”と表記し、イベールの名が入っている。このテディ・ベアーはまさにイベールの分身なのである。わらで作られた、熊の形をした案山子はぷっくりとした体でほほえましく、優しくゲストを出迎えてくれている。2008年の夏休みの思い出に、都会の真ん中で、生態系からの恵みによって生きている人間という存在を感じるのはどうだろうか。

Vol.1&2では舞台をいつもの五反田から横浜へと移動。「横浜トリエンナーレ」の会場となるBankART Studio NYKの1F (BankART Mini)でお待ちしています！

TAB Talks #14 Featuring Yokohama Vol.1「地域のためのメディアデザイン」
[日時]　2008年8月24日（日）　13:00～16:00（12:45開場）
[会場]　BankART Studio NYK 1F (BankART Mini)
[ゲスト]　小崎哲哉（REALTOKYO／ART iT発行人兼編集長）、杉浦裕樹（ヨコハマ経済新聞編集長／NPO横浜コミュニティデザイン・ラボ常務理事）
イベント詳細

TAB Talks #15 Featuring Yokohama Vol.2「今ここ」のダンス ～ゼロ年代コンテンポラリーダンスを再検証する～
[日時]　2008年9月7日（日）　13:00～16:00（12:45開場）
[会場]　BankART Studio NYK 1F (BankART Mini)
[ゲスト] 桜井圭介（音楽家／「吾妻橋ダンスクロッシング」オーガナイザー）
イベント詳細

TAB Talks #16 Featuring Yokohama Vol.3「横浜プレゼンテーション・ナイト」
[日時]　2008年9月16日（火）　20:30～22:30（20:00開場）
[会場]　ゴタンダソニック
[内容]　「横浜トリエンナーレ2008」のフォトレポート！その他横浜で行われるイベント関係者によるプレゼンテーションを予定しています。ゲストは確定次第お知らせいたします。

協力：BankART1929　助成：財団法人横浜市芸術文化振興財団（共にVol.1, Vol.2）

本展では、当時の小袖700点あまりが集められ、意匠の別に展示されている。意匠は大きく3つの分野に分かれ、その3つとは、松竹梅や葵、紅葉、菊、桜などの植物模様（季節感を感じさせる）、日用品を表した模様（雅な王朝文化を思わせる）、詩歌や物語を表した模様（源氏物語、伊勢物語の1場面や、文字そのものを描いたもの）であるが、なかでも日用品を表した模様は、例えば洗濯物が干された縁側や、飼い犬が駆け回る様子や、琴などの楽器が描かれ、それを身にまとう人の趣味だとか、人となりのイメージが膨らんでくるから面白い。

当時の人々は、小袖をすべてオーダーメイドしていたわけだが、その際、最新流行の模様が掲載されたファッションブックである「雛形本」を参考にしながら発注したのだという。発注者は、呉服商を通して職人に作らせ、1枚が実に大変な手間と行程を経て完成する。いっけん贅沢な話のようだが、しかし小袖は、衣服として利用されたその後も形を変えて大切に保管や、きちんと再利用されるのだから道理にかなっている。例えば、襦袢へリメイクされたり、掛け軸となって飾られたり、仏具として寺へ奉納されるなどするのだが、この辺りの生活の知恵といおうか、日本人の古きエコ精神に感心させられる。

さて、展覧会場には、小袖以外にも気になる日用品が展示されている。なかでも衣服に香をたきしめるための道具「伏籠」や、香りを聞き分ける遊び道具「組香」は、日本人が古来から身だしなみのみならず、香りにも敏感であるという繊細な特質を物語っていよう。

キャパシタってなに!? しかも、スーパーまでついてる。てっきり高嶺格さんの造語だと思いきや、「スーパーキャパシタ」は大容量が特徴の「電気二重層コンデンサ」のNECの商標名。ちなみに松下電器は「ゴールドキャパシタ」、アメリカでは「ウルトラキャパシタ」、他に「電気化学キャパシタ」など、いろいろな名称があるようですが、大雑把にいうとバッテリーの代用品。（キャパシタとはコンデンサ（蓄電器）の英語圏での一般名称）

充放電にほとんど限りがないので、超！長寿命。身近な所で言えば、たとえば携帯電話の電池パックをスーパーキャパシタにすれば、充電してもすぐに電池がなくなってしまうなんて劣化がほとんど無くなるので、とっても便利だし、お得！…と、得意げにグーグルで拾った知識を披露するのは危ないのでここら辺にしておきますが、とにかくスーパーキャパシタは石油の枯渇しつつある現代にとって素敵な蓄電システムのようです。

そんな夢のような蓄電システムですが、（原料は活性炭なので）原価は安いはずなのに、なぜか販売価格が高いのです。そのために普及率は上がりません。「安価で無害で、長寿命。普及すれば世界は変わる。」しかし普及は価格によって阻止されている。それを高嶺格さんが「なぜ高い？」と、この展示で疑問をなげかけつつ、スーパーキャパシタをブランド化することによってその存在を私たちにアピールしています。

今回の展示で、高嶺格さんは「なぜ高いのか？」の答えや、答えに導くようなイメージを打ち出していません。ただ、「なぜ高い？」と疑問を投げかけているだけです。作品にはスポーツメーカーや自動車メーカーのロゴが光り輝いているので、「きっと、企業の利権が絡んでいるのね！」と思いきや、企業ロゴがタイプできるフリーフォントで「スーパーキャパシタ」とタイプすると、スズキやチャンピオンなどの企業ロゴが出てきたので使用しただけ、だそうです。

ナイキ、マクドナルド、コカコーラ、マイクロソフト…など企業イメージが現代美術で扱われる時は、消費社会へ対する批判や警告が多いので、まるで刷り込みのように、企業ロゴが扱われたら警告だと思え！と反応してしまうのを、からかわれたような気がしなくもないですが、作家いわく「意味はない」そうです。「原価は安いが、電極の加工に手間がかかって高価格」との情報もありますが、「なぜ高い？」の答えはそれなのか、当初の私の勘違い通り企業の利権が絡んでいるのか、複合的な違う理由なのかわかりませんし、高嶺格さんも答えを出すための展示をしていません。「なぜ高い？」という疑問を投げかける形でスーパーキャパシタという存在をアピールするだけです。

スーパーキャパシタをキャラクター化し、携帯待ちうけ、カーペット、Tシャツなどで日常消費したくなる作品たち、ペンタゴン型の取り外し可能なユニークピース、限定数のシルクスクリーンなどなど。スーパーキャパシタをブランド化することで、作品の所有欲、購買欲が喚起させられます。そんなショーウィンドウを見ているような気分にさせるインスタレーションは、スーパーキャパシタを「普及」させるために、作品も「普及」しやすい形をとっているのかもしれません。

私たちは食物と同じように、電力がなくては生きていけません。枯渇しつつある石油や、緑化を上回るCO2の排出に憂いつつも、消費しなければ生きていけません。自分では望んでいないのに、自分の手の届かないところで地球は動いているようにも感じます。本当はスーパーキャパシタのブランド化よりも、そんな現実を「仕方ない」とか「あいつらが悪い」と言う代わりに、「夕飯に並べる小さな野菜をプランターで作るように、少しでも手の届くところに電力を確保できたらいいな。」「これからは食物と同じように電力も個人が手入できるようになればいいな。」とつぶやきたいので展示をしているようにも見えました。

ギャラリースペース、アートブックが閲覧できる交流の場としてのカフェ＆バースペース、独自のネットワークにより編纂した広範なアーティスト情報を提供するライブラリースペースの３つを併設する複合的なアートスペース。

[取り扱いアーティスト]
井出賢嗣　鮫島大輔　浅井裕介　山本篤　柴田祐輔　多田玲子　東野哲史　和田昌宏

[開館時間]
12:00〜23:00
カフェ　〜22:30(ラストオーダー)
ギャラリー　〜21:00
月・火　休館

[アクセス]JR中央線・京王井の頭線吉祥寺駅北口より徒歩９分

[住所] 東京都武蔵野市吉祥寺東町１−８−７

[電話] 0422-26-8454